Tantos anos. Foda-se. Os anos 2000 estão quase no fim. São dez anos, por amor de qualquer coisa. Porra. Tanto tempo. O que é que estavas a fazer nos anos 2000? O que é que estavas a ouvir? Nós lembramo-nos disto. Há muito mais, claro, e muito bom – porque a maior estupidez do mundo é achar que já não se faz música como dantes, quando era bom. Sim, já houve quem se tenha antecipado para esta tarefa - a inevitável Pitchforkmedia. Não, não tivemos a ideia de fazer esta depois de eles terem feito. Somos é preguiçosos e demorámos tempo a juntar os votos e os textos. E se tivéssemos tido? Não é como se compilar os nossos singles favoritos de uma década na recta final dela fosse propriamente uma ideia genial ou rebuscada. Não é. Especialmente numa década em que o single voltou a ser rei, culpa de algo chamado "mp3". E do fim do álbum, e o caraças. Como sempre, foi isto que nos bateu colectivamente, mais ou menos. Pelo menos era o que tínhamos em comum nas nossas listas. Não é uma lista definitiva, nem muito completa. Mas é a possível, tendo em conta a dolorosa dificuldade de se fazer uma lista que reúne as canções que abalaram o nosso mundo na década de 00.

!!! Me and Giuliani Down By the Schoolyard

São mais de nove minutos de pura energia e emoção. Um abalo de proporções consideráveis. Com estes nove minutos os !!! provaram que eram uma das melhores coisinhas saídas da tal armada recuperadora do pós-punk que grassou pela década fora. Estávamos em 2003 e “Me and Giuliani Down by the School Yard (A True Story)” foi uma pequena bomba para alguns; e uma bomba gigantesca para outros, que mais tarde veriam em Louden Up Now a solução para todas as suas preces, um comprimido punk/funk/disco capaz de fazer tremer as pernas a todo e qualquer ser vivo. Sabe a adolescência queimada e sabe ao primeiro beijo; e sabe bem. Nic Offer é um anfitrião como poucos, supervisionando o bando com a mestria dos melhores MCs. “Me and Giuliani Down by the School Yard (A True Story)” é uma soma de muitas partes, cada uma mais excitante que a outra, espécie de tornado que não queremos que acabe nunca. André Gomes

Air Playground Love

Quando se soube que o duo francês Nicolas Godin e Jean-Benoît Dunckel preparava a banda sonora do filme As Virgens Suicidas de Sofia Coppola, as atenções voltaram a recair sobe ambos. E não era para estranhar, depois do excelente Moon Safari (1998), os Air pareciam ser o nome indicado para qualquer banda sonora onde o amor fosse volvido e revolvido ou mesmo ocasionalmente defraudado. "Playground Love" é, ainda hoje, uma síntese do amor no seu melhor e do espaço que ocupa quando a devoção por outra pessoa é insuperável. Música apaixonada de recorte pop simples que num tom melancólico repleto de candura, seduz, encanta e suborna num único e eficiente round. Os ingredientes que compõem a canção de amor perfeita estão lá todos, disponíveis á inocência sentimental que ainda há no interior de cada um de nós. Mesmo para os misantropos que se acham imunes a estas coisas do coração. Divinal! Rafael Santos

Amerie 1 Thing

Mesmo que se tenha eclipsado gradualmente para dar lugar a nomes como Pollow Da Don ou Tricky Stewart, Rich Harrison vai ficar para a história enquanto arquitecto das duas malhas de r’n’b que mesmo os habituais detratores admitem gostar. Para acabar de vez com a terminantemente irritante expressão Guilty Pleasure. “Crazy In Love” tambem anda algures por esta lista, mas foi em Amerie que Rich encontrou a sua verdadeira diva. Construída em torno do break de bateria de “Oh Calcutta!” dos Meters, “1 Thing” assemelha-se mais a uma jam do que uma canção de pleno direito. Sem uma linha melódica verdadeiramente expressiva (remetida a chicotadas de guitarra e um sintetizador lá para um final), deixa-se planar na sua própria propulsão para que a elasticidade vocal da Amerie a leve pelos mais diversos caminhos. No fundo, aquela Canção que não tem qualquer necessidade de o ser para atingir o brilhantismo. Bruno Silva

Animal Collective Grass

O lema de Feels é igual ao dos Moscãoteiros (animais, afinal):”Um por todos e todos por um”. E sobram poucas dúvidas relativamente ao facto de Avey Tare ser o “um” no caso de Feels: ele é o pulmão, o impressionante contorcionista melódico, o principal instigador das sensações sugeridas nas letras, tal como no título das músicas (“See”, “Flesh”, “Purple”). Assumindo de vez a vontade de ser single (depois dos menos ortodoxos “Leaf House” e “Who Could Win a Rabbit?”), “Grass” alia as qualidades de “todos” por “um”: lá está a guitarra de Deakin, que se desintegra em luz, e o excelente piano-complementar de Kría Brekkan (companheira de Avey Tare). Apetece fumá-la. Além disso, “Grass” introduz uma estranha aproximação aos Nirvana (depois desenvolvida em “Reverend Green” e escancarada nas versões obscuras de “Polly” e “On A Plain”). Quem não acredita, pode tentar isolar a vocalização de We do the dance upon the plain (soa muitas vezes a um torturado Thank you for the pain) ou os berros repetidos no fim do refrão eufórico. Está lá tudo. Miguel Arsénio

Animal Collective My Girls

Sem os ouvir (gostando ou não) não é possível compreender o que foi a feliz promiscuidade entre o underground mais explorador e a pop. Os Animal Collective, os Black Dice e os Gang Gang Dance foram alguns dos agentes dessa tendência, mas o maior destaque foi para os primeiros, hoje transformados em ídolos de uma fatia importante da população indie. "My Girls", que surge no último ano da década em jeito de cereja em cima do bolo, acaba por selar este casamento. É um cruzamento que diríamos impossível: a hipnose da house (a frase de sintetizador é uma clara citação do clássico house “Your Love”, de Frankie Knuckles), as estruturas cíclicas do minimalismo (imaginamos um Terry Riley surpreendentemente rítmico naqueles sintetizadores a borbulhar – ou então um qualquer comprimido efervescente que resulte em euforia interminável), as lições de canto e harmonia dos Beach Boys, a pop descarada do refrão. Nunca os Animal Collective foram tão abertamente acessíveis, mas, ao mesmo tempo, continuamos a estar perante música radicalmente experimental, única. Pedro Rios

Arcade Fire Neighborhood #1 (Tunnels)

Os primeiros segundos movidos a piano e violino relembram Pulp do início, era Freaks. Depois embarcamos numa epopeia a la Pixies com o baixo e a guitarra a tomarem conta das nossas auto-estradas da coluna ao cérebro. E num arrepio relembramos Talking Heads até explodir de vez, lá para o meio, movidos pela bateria e pela voz quase Jarvisiana de Win Butler num mar de lamentações a roçar a boa histeria. E depois o grand finale com "uh-uh-uh" para se dançar até ao infinito. Tão brilhante que ofusca. Uma espécie de celebração religiosa de grandes influências musicais mas de reverente originalidade. Se calhar é por isso que damos graças a Deus por ter estas duas orelhinhas com ouvidos lá dentro para poder ter tamanho prazer e alívio. Como depois de uma confissão, "sim senhor Padre, eu ouvi isso tudo". A primeira canção do igualmente brilhante primeiro álbum dos verdadeiros pontas-de-lança da fértil cena indie canadiana (sorry Wolf Parade), será certamente um dos hinos desta década. Se não concordam com este humilde anónimo, perguntem ao fã David Bowie. Nuno Leal

Battles Atlas

Animal Collective com The Residents possuídos por um grupo de chipmunks. Eis o single que precedeu com estrondo o lançamento do enorme Mirrored. Uma música que destoa algo do resto do álbum, sobretudo pela simplicidade vs. as rítmicas bem mais complexas, King Crimsonicas de outras canções. Esta vive de uma batida que se cola ao ouvido, ultra-dançável, tribalíssima, daquelas que nos põem facilmente aos saltinhos. É um já pós-pós-rock que nos entra pelo cérebro deliciosamente ao som da estranheza de "singer is a crook, whoa, ey, oh". Fruto do talento de músicos calejados, vindos de paragens como Helmet, Tomahawk, Lynx ou Don Caballero. Sabem bem o que fazem e têm jeito para as continhas psíquicas do mais profundo rock matemático, rumo à fórmula inovadora, rock que consegue animar uma tenda no Boom Festival. Não é que isso tenha acontecido, mas experimentem saltar de Hux Flux para esta Atlas e vão ver que funciona! Aliás, volto a frisar, é impossível não castigar o chão com os pés a pisar uvas guiados por este trance-rock. É caso para dizer, lá acertou a Warp Records mais uma vez. Nuno Leal

Beyoncé ft. Jay Z Crazy in Love

Arquétipo daquela música que todos (repito: todos) adoram mais ou menos secretamente, "Crazy in Love" foi a confirmação mais do que óbvia de todo o potencial de estrela evidenciado anteriormente enquanto elemento das Destiny`s Child. Assente na secção de sopros mais entusiasmante de que há memória, "Crazy in Love" passa desse 4/4 em jeito de refrão para as batidas escorregadias e de volta sem perder o enfoque de uma verdadeira canção brute force, cujo apelo à dança se mostrou irresístivel. Mesmo que não tenha sido propositadamente dirigida a Jay Z, acabou também por ser marca indelével de um dos casais mais mediáticos e adorados desta década. Este último ainda aparece, mesmo antes do grande crescendo emocional (aqueles momentos que, em essência, tornam uma canção maior do que a vida), como que a justificar toda essa “loucura”, mas tanto o Hov como o resto do mundo sabiam estar apenas a preparar terreno para que Beyoncé Knowles se viesse a confirmar como a maior diva deste século. Bruno Silva

Björk Pagan Poetry

Na transição de década, Björk venceu Madonna por k.o. na luta pelo título de melhor gestora de recursos. Recuperar os ABBA e dançar numa licra incrível não foram suficientes para que Madonna preenchesse as expectativas formadas por excelentes esforços de colaboração como Bedtime Stories e Ray of Light. No lado mais sofisticado da fronteira, Björk lançou-se na década atraindo talento com talento e “Pagan Poetry” pode bem ser o expoente máximo dessa estratégia: num cenário de evidente atrito sexual, a harpa cristalizada de Zeena Parkins contrasta e debate-se heroicamente com a linha de baixo e temperamento desequilibrado da voz de Björk. Ficava assim de pé um imponente upgrade de “All Neon Like” (que surgia na mesma posição nº 5 do anterior Homogenic) e uma provável sublimação da penetração (sustentada pelo teledisco) pronta a ser analisada à luz de Freud. Miguel Arsénio

Black Dice Cone Toaster

Depois de assinarem uma das obras mais essenciais desta década com Beaches & Canyons, a imprevisiblidade dos caminhos desbravados pelos Black Dice, iria sofrer inevitavelmente com as comparações futuras. “Cone Toaster” nem tem qualquer motivo para sentir vergonha. Peça anómala no mosaico do então quarteto de Brooklyn, “Cone Toaster” parece surgir quase como uma encomenda de James Murphy à banda para produzir algo mais próximos da estética dançável da sua DFA. Depois da interessante violência No Wave e da magnânima reestruturação New Age, “Cone Toaster” veio dar todo um novo significado ao emergente termo Electroclash. Electro pelo uso da electrónica mutante que viria a constituir o modus operandi transviado da banda, clash pela fricção constante entre a batida 4/4 e demais parafernália fractal. Embrenhando-se por um groove colossal que deita por terra todas as ambições de tantos hipsters de NY de criar algo exigente para o cérebro sem que o corpo ceda ao torpor. Ou aquela tensão constante entre hedonismo e alienação. Bruno Silva